Historia del Diseño Industrial en Colombia

1900 Es fundada la Fábrica de Loza Faenza en Bogotá, cuenta con un lote de 4.000 varas cuadradas. Los productos compiten con sus similares extranjeros con un precio 50% menor.
1903 Llega a Bogotá el primer automóvil importado por Ernesto Duperly marca Cadillac.
1904 Se crea la Escuela profesional de Artes Decorativas Industriales bajo la dirección de Andrés de Santamaría, cuya formación europea le permitiría concebirla como un centro formativo de gran trascendencia para el desarrollo del país. cionan talleres de carpintería, en donde eran reparados todo tipo de muebles de las oficinas públicas.

1910 Se lleva a cabo la Exposición del Centenario de la Independencia en el Parque del mismo nombre en Bogotá, con lo más representativo de la industria nacional.

1912 La empresa Fenicia continúa ampliando su producción hacia objetos de vidrio y vidrio plano. Montada por Bavaria (empresa de industriales alemanes) en 1896 en Bogotá, para evitar la costosa importación de envases frágiles para su cerveza.



1912 El Instituto Salesiano, la Escuela de Artes y Oficios, los talleres del Ferrocarril de la Sabana y los de la fábrica Chaves y Equitativa, trabajan el hierro "admirablemente" producciendo camas de bronce, verjas para parques y motores de vapor.

1921 Las casas de comercio ofrecen gran variedad de productos importados para el hogar: sillas Thonet, alfombras, damascos, papeles de colgadura, catres dorados, etc.

1925 Las obras públicas se ven favorecida por la alta circulación de dólares en el país.

1934 Se funda en Copacabana, Antioquia, una empresa que produce artículos esmaltados y de aluminio: Imusa.

1938 Fruto de la Segunda Guerra Mundial, llegan al país inmigrantes europeos, como el alemán Werner Biermann, que fundaría Muebles Biermann y Artesano.

1939 El Banco de la República inicia una valiosa colección de piezas de orfebrería precolombina de las distintas culturas aborígenes del país.

1940 José María Acevedo compra un taller de reparaciones eléctricas que más tarde se convertiría en Haceb.

1945 Imusa lanza al mercado artículos de plástico como vasos, platosy peines, fruto de la necesidad de diversificar productos por la ausencia de materia prima consecuencia de la II Guerra Mundial.

1950 Hernando Muñoz funda Manufacturas Muñoz en Medellín. Inicia con la fabricación de muebles escolares.

1951 Aparecen las primeras estufas eléctricas de Haceb.

1954 Landers & Mora fundada tres años atrás en Medellín de la unión de la firma inglesa "Landers Frary & Clark" con la familia Mora, empieza la producción local de la olla a presión de cierre interno, coincidiendo con la gran oportunidad comercial dada por la crísis energética que vivia el país. Dos años más tarde fabrican el molino manual de granos con adaptaciones de diseño locales.

1962 Se crea la división de Muebles de Carvajal S.A.
La actividad de diseño es dinámica en el campo de muebles: Camacho Roldán y Artecto, Modulíneas, Ervico, Fabrex, entre otras.

1963 Nace Grifos & Válvulas S.A.: Grival.

1964 Se crea Artesanías de Colombia. Los Cuerpos de Paz (estudiantes extranjeros recién graduados de diseño que vivían y trabajaban con artesanos) incentivaron la aplicación de figuras precolombinas.

1964 Se diseña la Línea 2.000 para oficinas de Camacho Roldán y Artecto. Primera línea modular en melamina fabricada en Colombia.

1965 *Escritorio de la Colección Camacho Roldán y Artecto, diseñado por Jaime Gutiérrez Lega. Artecto produciría la Línea 800 de muebles para oficina, también diseño de Lega, con gran éxito en ventas y que aún hoy es copiado y vendido por muchas pequeñas fábricas.

1966 Guillermo Sicard Montejo organizó y dictó el primer curso universitario de diseño industrial en el país en la Universidad Nacional. Profesores: Jaime Gutiérrez Lega y Daniel Obregón.
La "mesa biomórfica" de Noguchi (1947) es un ejemplo del tipo de muebles de diseño moderno que reproducía la empresa colombiana Fabrex en Bogotá.

1967 El diseñador suizo-americano Alfred B Girardi consutor de la ONU, con formación en la Bauhaus, dicta cursos de diseño industrial. Realizó una investigación sobre la artesanía colombiana recopilando valioso material en cientos de fotografías.

1968 Se traslada la colección de orfebrería prehispánica del Banco de la República a su nueva sede en el Parque Santander: Museo del Oro.

1968 Año muy dinámico en diseño con motivo del Congreso Eucarístico. Jaime Gutiérrez Lega es contratado para diseñar el Sistema Peregrino (para albergar turistas) y las primeras cabinas telefónicas para la Empresa de Teléfonos de Bogotá.

1972 Se funda en la Universidad Pontificia Bolivariana, la Facultad de Diseño, antes llamada Programa de Arte y Decorados.

1972 Se produce la silla Mariposa, diseño de Oscar Muñoz, popular y exitoso producto en ventas de Manufacturas Muñoz en los años posteriores. Inspirada en la silla Polyprop de Robin Day.

1972 La silla "Ovejo" de Jaime Gutiérrez Lega obtiene una Mención de Honor en el concurso del CIDEM.

1973 Artesanías de Colombia creó la Escuela Taller de Diseño como estrategia para el desarrollo de la artesanía colombiana. El artista Carlos Rojas fue su primer Director, también estuvieron vinculados Santiago Cárdenas, Antonio Roda y Enrique Grau entre otros. Se hizo énfasis en la realización del inventario de las expresiones artesanales más representativas del país.

1974 Creación de la Facultad de Diseño Industrial en la Universidad Jorge Tadeo Lozano, fruto del Magister del año anterior. Decano: Giulio Vinaccia. Egresados del postgrado y dos profesores alemanes: Ingo Werk y Gerd Schussler son algunos de los docentes de la nueva Carrera que se forma bajo un esquema metodológico rígido.
Corona lanza la línea de porcelana sanitaria Royal para baño, línea que aún se mantiene en el mercado con algunas modificaciones.

1976 Se inicia en Lieja (Bélgica) un entrenamiento para docentes colombianos que posteriormente se vincularán a diversos centros de enseñanza.

1976 Se funda la ACD, Asociación Colombiana de Diseñadores impulsada por Proexport y como recomendación de la Comunidad Económica Europea.
En esta década llegan colombianos formados en diseño en el exterior como Daniel Gómez, Rodrigo Samper y Mauricio Olarte, este último destacado por el diseño de sillas, fundador de Series.

1976 Se inagura el Museo de Arte Moderno de Bogotá.

1977 Se inicia la carrera de Diseño Industrial en la Universidad Javeriana, Bogotá con 37 alumnos bajo la dirección de Rómulo Polo Flórez.

1979 Se crea la Asociación Latinoamericana de Diseñadores, ALADI, orientada a generar una conciencia en la región sobre la función del diseño.

1980 El Centro Internacional del Mueble, el Museo de Arte Moderno de Medellín y la Universidad Pontificia Bolivariana organizan el Simposio y Muestra de Diseño que reúne la mayor cantidad de personalidades internacionales por primera vez en el país: Mario Bellini, George Nelson, Gae Aulente, Ilmari Tapiovara, Theo Crosby y Gui Bonsiepe entre otros.

1981-89 Las primeras generaciones graduadas de diseño industrial se enfrentan a la difícil aceptación en el mercado laboral optando por iniciar microempresas que producen accesorios, lámparas, etc. Concepto y Forma, Dimensione, Ciclos, Timber, Ojalata, Contexto y Focus entre otros. El cierre de las importaciones en el Gobierno Betancur favoreció la entrada exitosa de sus productos innovadores y se crean almacenes comercializadores como Objetos.

1981 Se crea en las afueras de Bogotá la empresa Muebles Bima, de Felipe Biermann (hijo de Werner Biermann), una de las primeras con departamento de diseño propio y que se convirtió en el principal y más grande almacén comercializador de accesorios y muebles de diseño.

1983 El Tiempo lanza la revista Habitar, dirigida por el arquitecto Fernando Correa Muñoz, futuro Decano de Diseño Industrial en la Tadeo.
1985 Colciencias contrata la elaboración de un Plan Nacional de Diseño.

1986 El Museo de Arte Moderno de Medellín realiza una muestra Nacional de Diseño industrial y gráfico "La Estrella en la cultura material vista por los diseñadores colombianos". Se reseña en un catálogo quienes eran en el momento los gestores y productores de diseño en Colombia.

1987 El Museo de Arte Moderno de Bogotá exhibe una retrospectiva del trabajo de Jaime Gutiérrez Lega, pionero del diseño industrial en Colombia desde los años 50.

1987 Corferias y la Prodiseño organizan la primera feria bianual de Expodiseño en Bogotá, con el apoyo de la ACD.
Se reconoce un estilo "High Tech" criollo: tubo, alambre y lámina en colores rojo y negro.

1989 Durante la Feria Expodiseño, Prodiseño y la ACD lanzan el libro Diseño en Colombia que registra diseñadores destacados del momento.

1989 La lámpara Obelisko de Hallo Mark, diseño de los hermanos Márquez y Leopoldo Díaz, obtiene premio de Diseño Industrial en la feria de Expodiseño. Se destaca por el esfuerzo tecnológico, industrial y estético.

1989 El bus Halcón CM-580 para Colcar / Blue - Bird diseñador por Jorge Montaña y Mauricio Mejía de Diseño Dimensione con la colaboración de Fernando Ramírez, es producido y se convierte en hito por su complejidad y éxito en ventas y por ser el primero con baño y que utiliza fibra de vidrio.

1991 La facultad de Arquitectura y Diseño de la Universidad Javeriana organiza Diseño en Concierto.
1991 La apertura económica del Gobierno Gaviria afecta negativamente a las pequeñas empresas de diseño. Por otro lado obligó a los industriales a mirar los mercados globales y reconocer la importancia de la innovación.

1991 Prodiseño y Diners Club lanzan la revista Axxis, descendiente de la revista ACDiseño.

1992 Ocho empresas conforman "El Grupo de los Siete". Son: Diseño y Desarrollos, AS Diseño, Felix Obregón Accesorios, Mesas y Sillas, Sinthesis Diseño, Ciclos, Trazzo y Kassani Diseño. Lograron abrirse campo en los mercados nacionales e internacionales además de compartir conocimientos y tecnologías.

1993 VI Congreso de ALADI en Santa Marta con gran calidad y variedad de expositores.
1993 La Red Nacional de Diseño se constituye como propuesta de ALADI.

1994 I Salón Nacional de Diseño Industrial organizado por la Universidad Nacional, la cual cumple en este año 15 años de haber iniciado clases.

1994 Bonyurt de Alpina, con Multidimensionales y Smurfit Cartón de Colombia gana trofeo 'World Star for Packaging'.

1995 Se lanza proyectodiseño, primera revista colombiana dirigida netamente al mercado del diseño.

1995 Artesanías de Colombia crea el Laboratorio Colombiano de Diseño de Armenia. Producto representativo: silla Anca.

1995 El Sistema Nacional de Diseño surge como consecuencia del Estudio Monitor que analizaba la competitividad del país.

1995 Durante Expodiseño, Mepal S.A. lanza la línea Múltiple, sistema de oficina abierta diseñado y producido totalmente en el país.

1996 Son visibles en el escenario oficinas de diseño especializadas en muebles contemporáneos para mercados exclusivos. Se destacan por la investigación tecnológica y la calidad formal en el tratamiento de los materiales: Dedalus, Aitken, Básika, Amarna.

1996 "Mateo's Crib" de Alberto Mantilla obtiene el 1er puesto en la categoría de mobiliario del Premio IDEA en USA

1996 Surge Andiseño en Medellín como respuesta a la ausencia de una agremiación.

1996 Challenger cumple 30 años, con un departamento de diseño como soporte fundamental.La extrusión de aluminio se convierte en una gran aliada para el diseño de sistemas de oficina abierta. El software de 3D hace su aparición.

1998 Colombia es país invitado a la exposición New Designers en Londres gracias a la gestión de Freddy Zapata y Kattia Martínez. Freddy Zapata recibe en Londres el ''Yellow Pencil'' como Mejor Estudiante de Inglaterra.

1998 Inican clases de Diseño Industrial en ICESI Cali y en la Universidad Nacional de Palmira, completándose 15 programas profesionales de esta carrera en el país.

1998 proyectodiseño lanza la primera edición del Lápiz de Acero, concurso que destaca anualmente lo mejor del diseño colombiano.

1999 Manufacturas Muñoz lanza la silla ''ío'' en la feria de Expodiseño y Expoconstrucción.

1999 En la celebración de los 25 años de la Facultad de Diseño Industrial de la UJTL, se entregan 16 trofeos a las personas, empresas y entidades que han contribuído a la construcción del diseño industrial en el país.

Memphis

El Grupo Memphis fue un movimiento de arquitectura y diseño industrial muy influenciador de los años 1980s.
El grupo fue fundado por Ettore Sottsass en Diciembre 1980, y se resolvió que los integrantes se reunirían otra vez con sus diseños en Febrero de 1981 El resultado fue un debut altamente aclamado en el "Salone del Mobile" (En español, Salón del Mueble) de Milán, la feria de mobiliario más prestigiosa del mundo. El grupo, que contó eventualmente con Michele de Lucchi, Matteo Thun, Javier Mariscal, Marco Zanini, Aldo Cibic, Andrea Branzi, Barbara Radice, Martine Bedin, George J. Sowden y Nathalie du Pasquier, se disolvió en 1988.

Orígenes

El movimiento era una reacción contra los diseños "caja negra" post-Bauhaus de los 1970s y tenía un sentido del humor del que carecían los diseños negros, pulidos y aburridos de esa época. Una época de minimalismo, en la que los productos tales como máquinas de escribir, edificios, cámaras, vehículos lucían todos parecidos y carecían de personalidad e individualismo.
En cambio, Memphis ofreció piezas brillantes, coloridas e impactantes. Los colores que usaban contrastaban con los negros oscuros y marrones del mobiliario Europeo. La palabra Buen Gusto no se asociaba normalmente con los productos de Memphis. Esto hacía sugerir que el diseño de Memphis era muy superficial, aunque el grupo intentó desarrollar una nueva y creativa aproximación al diseño.
El 11 de Diciembre de 1980, Ettore Sottsass organizó una reunión con algunos diseñadores famosos, para formar un grupo de diseño colaborativo. Se llamó Memphis después de que la canción de Bob Dylan, "Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again" sonara repetidamente durante esa tarde.
Su inspiración estaba nutrida de otros movimientos como Art Deco y Pop Art, estilos como el Kitsch de 1os 1950s y temas futurísticos. Sus conceptos estaban rígidamente en contraposición con el supuesto "Good Design" (Buen Diseño), fuerte en Alemania.

Conceptos teóricos

El concepto de diseño de Memphis se basaba en una mezcla de estilos, colores y materiales del siglo 20. Se poscicionó más como una moda que como movimiento académico y esperaba borrar el International Style donde el Posmodernismo había fallado, prefiriendo más un renacimiento y continuación absoluta del Modernismo, que una mera re-lectura de éste.
El Grupo Memphis integró a diseñadores que crearon una serie de productos altamente influenciadores de los años 1980s. Estaban en desacuerdo con ajustarse a la época y desafiaron la idea de que los productos debían seguir formas, colores y texturas convencionales.
El trabajo del grupo de Memphis se ha descrito como vibrante, excéntrico y ornamental. Fue concebido por el grupo para ser un “capricho” que, como todas las modas, acabaría muy rápidamente. En 1988, Sottsass desmontó a grupo.

Influencia y legado

Mientras que Memphis influenció a diseñadores tales como Philippe Starck, la continua subida del Minimalismo en los años 90 consideró una vuelta a la “seriedad”.
En Argentina el fenómeno se sentiría más tarde, con la fundación por parte de Ricardo Blanco y junto con otros diseñadores, el grupo Visiva, produciendo objetos que se alienaban con la estética del Grupo Memphis.

Op ArT

Op Art es la abreviatura en inglés de "optical art" es decir arte óptico.
El término surge en USA en los años 60s, con motivo de la exposición "The responsive eye", con el objeto de identificar el movimiento de pintores que, a través del uso de los conocimientos sobre procesos ópticos y psicológicos, buscar producir la ilusión de movimiento. Esto es obtenido, mayormente, a través del uso de formas y colores puros.

Este movimiento supone la introducción de la ciencia y la tecnología en el arte, luego de la II Guerra Mundial. Dado que era una "extensión" del arte abstracto de los años 20s, pero su agregado lúdico logró que muchas creaciones se volvieran inmensamente populares a través del campo de la moda y el diseño.

Características:

• Es una evolución matemática del arte abstracto.
• Se usa la repetición de las formas simples.
• Los colores crean efectos vibrantes.
• Gran efecto de profundidad.
• Confusión entre fondo y primer plano.
• Hábil uso de las luces y las sombras.
• El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.
• Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
• En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotaen.

Bauhaus

La Bauhaus fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar Alemania. El nombre Bauhaus significa casa de las construcción. Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento.La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo. Dada su importancia Las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996.se le suele confundir con el modernismo.
Hay también una tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente la representación estrictamente realista de éstos. Una fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas, las cuales se muestran en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas.
Una actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, con un guiño hacia lo erótico en algunos casos.
La libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas lejanas o antiguas.
La aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del objeto a decorar. Esto se puede observar en la aplicación en el mobiliario, en arquitectura, en los afiches o posters promocionales o en objetos de uso cotidiano donde el elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el objeto que decora.

Primera época (1919-1923)

En el momento de su fundación los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius en un manifiesto, fueron: "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público" ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba.
Se formó cuando Gropius une la escuela de artes con la escuela de artes aplicadas, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.
Entre los primeros estudiantes se encontraban Marcel Lajos Breuer y Joost Schmidt, que alcanzaron cierto éxito. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tanto salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, vidriería. Pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional.
El taller de teatro, dirigido por Oskar Schlemmer, era considerado muy importante dentro del programa de la escuela por su naturaleza de actividad social que combinaba diversos medios de expresión. Decorados, vestuario, etc. formaban parte de las prácticas de los alumnos. Fueron famosas las obras de Schlemmer, sobre todo el Ballet Triádico, obra estrenada en el teatro de Stuttgart.
Paul Klee llegó a la escuela en 1920. Persona muy culta (además de ser un violinista y pintor notable) muy interesado por los problemas teóricos del arte. Desarrolló su actividad en el taller de tejidos, dando clases de composición. Su enseñanza se basaba en las formas elementales, de las que, según él, se derivaban todas las demás. El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas, hacerlas visibles. Preparaba concienzudamente las clases escribiendo en unos cuadernos que, posteriormente fueron publicados en forma de libro.
En 1922 Kandinsky se incorporó al proyecto. Había participado en las reformas educativas en la época de la revolución rusa, fundando en la Unión Soviética varias escuelas. Durante ese tiempo mantuvo correspondencia con Gropius. Cuando la revolución rusa empezó a sufrir dificultades y comenzaron las disputas y purgas políticas, Kandinsky decidió trasladarse a la Bauhaus. Su prestigio, tras la publicación de De lo espiritual en el arte en 1911 y sus primeras obras abstractas de 1910, era por entonces ya muy grande. Sustituyó a Schlemmer en el taller de pintura mural y dio clases con Klee en el curso de diseño básico. Su mente teórica fue decisiva para iniciar el camino hacia un arte más intelectual y razonado, donde utilizaban el alma del objeto para esculpirla en la tela con rasgos abstractos.
Klee se retiró en el año 1933.
Esta primera etapa culmina con la inminente necesidad del cambio de sede de la escuela propiciado por la gran depresión. En 1925 se estrena la sede de Dessau; la primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños y, por lo tanto, también de educadores del diseño.

Segunda época (1923-1925)

En 1923 Theo van Doesburg, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, comienza a publicar la revista De Stijl en Weimar, ejerciendo una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo.
A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania. La incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de El Lissitsky y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.
De esta época datan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura. Así, Klee escribe «Vías del estudio de la naturaleza» (Wege des Naturstudiums, 1923) y «Cuaderno de bocetos pedagógicos» (Pädagogisches Skizzenbuch, 1925); e imparte en la Asociación del Arte de Jena la conferencia El arte moderno (Über die moderne Kunst). Por su parte, Kandinsky publica «Punto y línea sobre el plano» (Punkt und Linie zu Fläche, 1926) como el n.º 9 de la serie de la Bauhaus

Tercera época (1925-1933)

En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista.
En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos.

La vida cotidiana y las fiestas de la Bauhaus
La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1.400 aproximadamente) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia. Se llevaron a cabo legendarias fiestas en la Bauhaus, generalmente temáticas (fiesta blanca, fiesta del metal, fiesta de los cometas) y casi siempre de disfraces, en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas. Las fiestas tenían una doble intención: por un lado fomentar el contacto entre la escuela y la población para aplacar los recelos que generaba la institución en la población y, por otro, propiciar el trabajo en equipo y de cooperación y servir de catarsis ante las tensiones y conflictos que se originaban en la Bauhaus como resultado de la estrecha vinculación entre trabajo y vida privada. Además de estas fiestas «oficiales», cualquier acontecimiento era igualmente susceptible de desembocar en una celebración: la finalización de un tapiz, la adquisición de la nacionalidad del matrimonio Kandinsky, o el nacimiento de un niño...

La Nueva Bauhaus
Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954–1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.

PoP ArT!

El arte pop (del inglés Pop-Art, "Arte Popular") fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino unido y finales de los años 1950 en los Estados Unidos. El arte pop desafió la tradición afirmando que el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación es contiguo con la perspectiva de las Bellas artes dado que el Pop remueve el material de su contexto y aisla al objeto o lo combina con otros elementos para su contemplación. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el uso de temas y técnicas basados en dibujos proveniente de la «cultura popular», tales como en anuncios publicitarios, libros de comics y objetos culturales «mundanos». El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el arte, además que buscaba enfatizar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.

Andy Warhol, figura del arte pop estadounidense, en 1977.

Análisis del cartel FREIXENET "El niño"

El niño de “Freixenet” hecho en 1929.es uno de los 100 carteles españoles que componen la exposición de arte y diseño llamada 300% Spanish Design en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) y que en mi opinión nos dan una pequeña muestra del contexto que socialmente vivía España ó más exactamente San Sadurni Danoia en esta época.

El niño de “Freixenet” es uno de los carteles publicitarios cabe mencionar que generó en su época gran controversia debido a que jamás se había lanzado un cartel con una imagen infantil, y aún menos una imagen infantil sosteniendo un licor en sus pequeños brazos, un hecho que podremos darle a la idea de la niñez como periodo de inocencia, pureza y una total limpieza de todo aquel placer y deseo que corrompe a la edad adulta, representado en éste caso con la botella de vino. Éste es precisamente el factor que llama la atención general de la población española, pues por ésta concepción de la niñez, los vinos se anunciaban siempre con mujeres de una u otra manera seductoras y sensuales, brindando ese deseo hacia el producto y si hiciéramos un análisis del porque una mujer, bueno pues uno de los placeres sociales de España en este tiempo fue la concepción de la mujer como objeto o más bien medio de negociación monetario, su sexo le daba el poder de poseer o no lo que quisiera por lo tanto los aparatos reproductores de ésta eran tan sacralizados.

Para proseguir con la contextualización más certera de los hechos que implican el realizamiento de éste controversial cartel, debemos informarnos primeramente de los inicios de Freixenet como empresa, con lo que hay que remitirnos al año 1861, año en el cual Francesc Sala i Ferrés funda la “Casa Sala” primera marca exportadora de vinos Sant Sadurní d’Anoia (escrita en catalán, una lengua valenciana que procede del latín vulgar e impresa en el cartel en su parte inferior) ó San Saturnino de Noya, la cual es una población española de la comarca de Anoia, provincia de Barcelona Escudo Sant Sadurní d’Anoia
(Cataluña).

Detrás de la muerte de Francesc Sala i Ferrés, su hijo Joan Sala i Tubella, sigue con el negocio y después de la boda de su hija Dolors Sala Vivé con Perre Ferrer Bosc, empieza el negocio del cava en 1914. Perre Ferrer Bosch era hijo de “La Freixeneda” la cual era una finca del siglo XIII situada en el Alto Penedés, con esto se inicia el negocio del cava, un vino espumoso natural elaborado según el método utilizado en la región de Champagne desde hacía un par de siglos. El negocio se amplió y dio paso a la aparición de las primeras etiquetas con la marca Freixenet Casa Sala, evidenciadas en el cartel.

Desde sus inicios, la empresa se caracterizó por su interés en la optimización del proceso tradicional y de las estrategias comerciales con lo que llegamos finalmente a la época en la que fue creado el afiche, 1929, año en el cual acontecieron varios hechos significativos para España después de que la II Guerra Mundial finalizara y una terrible crisis general los azotara (1920-23). En septiembre de 1923 ponen los militares fin al régimen civil y a la Constitución del 73, e intentará integrar algunos elementos a imagen de la Italia fascista , como son el corporativismo y partido de masas (Unión Patriótica). El “directorio militar” se convierte en “civil” a fines de 1925, intentando consolidarse como nuevo régimen político, incorporando a políticos de la derecha española y designando en 1927 una asamblea estamentaria de carácter consultivo haciendo frente a problemas tales como:
· El primer problema, el de la cuestión regional fue negado y perseguido, especialmente en Cataluña, con la destrucción de la Mancomunidad.
· En lo referente a la cuestión social, ante el temor de las clases medias a la revolución, el Gobierno realizó una intensa represión, de carácter selectivo, sobre comunistas y anarquistas. En el caso socialistas y de ugetistas, esta será menor, llegando incluso a producirse una cierta colaboración en la segunda etapa.
· La guerra de Marruecos fue finalizada en 1926 con un fuerte esfuerzo militar.
· Desarrollo económico del país, siguiendo la lógica de Keynes ante la crisis del capitalismo, España incrementará la demanda real interna mediante obras públicas e intervencionismo, a la vez que aumentarán el proteccionismo (*obsolescencia, un paso más hacia la autarquía), monopolios y el corporativismo.
A pesar de esto, Fraixenet logra realizar un cartel que marca su gran intento por romper los paradigmas sociales, sin dejar que tales acontecimientos represorios y tensionantes del estado económico, social y cultural de la época generaran gran influencia en su publicidad. Con lo que podemos llegar a meras hipótesis sobre la intención, y el ser social del personaje implicado en éste tipo de publicidad, como nos indicó el guía, una podría ser debido al exceso de maquillaje en el niño, además de querer indicar un estado de salud favorable, alcanzaríamos a ubicarlo en un contexto de prostitución, una opinión un poco radical, pero que tiene algo de sentido ya que en tal tiempo era un hecho social más común, tanto que una empresa reconocida como lo era Fraixenet publicara un cartel con tal contenido siendo ésta real. Otra es la idea de un romper paradigmas sociales, liberándonos de parametrizaciones y reglas y esa presión vivida por la decadencia económica que sufría España. Por lo que se plantea un niño sano, hermoso, inocente ofreciendo un producto seguro, es de común saber que confiamos en lo que los niños dicen, hacen y piensan pues sabemos que no tienen mayor influencia social en sus mentes, no existen en sus mentes los placeres que corrompen al humano adulto, por algo dicen que los niños y los borrachos dicen la verdad, porque solo un adulto en estado de embriquez se libera de las represarías que le impiden expresarse libremente y decir lo que piensa tal y como lo concibe un niño.

Cabe mencionar que en esta década es decir, entre los años veinte y treinta, fue evidenciado el impulso de los fundadores y la seguridad de la calidad de sus productos ya que la firma acogió gran notoriedad. Incluso se iniciaron gestiones destinadas a situarlo en los mercados exteriores.

300% Spanish Design

Esta exposicion de 100 sillas y 100 lámparas y 100 carteles ubicada en el museo de arte moderno de Bogotá (MAMBO) nos brinda una perspectiva sobre el gran potencial creativo del diseño mobiliario, industrial y gráfico español dando a conocer a sus artistas, marcas y empresas. Tarea que se ha llevado a cabo explicando la variedad, calidad y riqueza de estilos y productos.

La alta creatividad y estética, el manejo una gran variedad de materiales y formas que brindan la estructura de lámparas y sillas es excelente, le dan al diseñador industrial una mirada diferente a las opciones, a su busqueda continua de innova, proponer, ya que muchas veces en lo básico esta la escecia del diseño.

LÁMPARAS